北九州芸術劇場が毎年実施している、演劇に関する講座「劇場塾」2007年版サイト。戯曲講座や俳優講座などを実施。
4ヶ月間にわたった戯曲講座も今回が最終日となりました。結論から言うと、作品を書き上げた人もいれば、まだ道半ばの人もいる状況です。いずれにしても講座内で直接永山氏からコメントやアドバイスをもらえるのは今回が最後なので、最終的には全受講生が出席しました。
まず3人ずつのグループで約2時間かけて互いの作品を読みあい、意見を交わします。講座も回を重ねているせいか、互いの気心も知れているので、以前よりもより深く作品を読みあい、率直な感想を話し合えている様子です。
短い休憩を挟んで永山氏から各人へのコメント＆アドバイスがありました。「〇〇って●●にしたらどう？」「〜って××でもいいんじゃないの？」という感じで、永山氏は、受講生としては仕上がっている作品へも、別の視点もあるという提案をしています。また、作品を仕上げることが目標の全てなのではなく、「自分としては全部書きたいことを書ききった感触がある？」という肝心な部分も確認しています。
具体的には、映像としてのオモシロさを観客が想像することによって感じるのが面白いのであって、場所が変わることによって観客に情報を渡すのが面白いのではないこと、マイナスの部分があってこそ魅力的なのだということなどもおっしゃっています。
実際、作品が仕上がっていない受講生に対してはそれぞれに合せたアドバイスをなさっています。非日常的なことを題材にしている作品には、こうするともっと観客との感覚に近くなり、日常に関連付けられる･･･といったアドバイスもありましたし、説明をし過ぎてしまうのではないかと書き進められない受講生にはもっと遠回りして表現する事や、登場人物が直接状況を喋るのではなくても、主人公がまわりから言われることによっても状況を説明することができる･･･など様々な選択肢を示して下さっています。
このように永山氏と各受講生が話すことによって、また、永山氏の質問に各人が答えることによって、それぞれの作品のストーリーを膨らませたり、推敲したりする方向をつかんでいる様子です。
講座の最後に永山氏から“上達するには戯曲を書き続けることです”というアドバイスがありました。この講座を受講しただけで終わってしまうのではなく、ここが戯曲を書き続けるスタートといった雰囲気が講座の中にできて、講座が終了しました。
今後、最終稿として提出された作品たちの中から、12月に行われるリーディング公演の戯曲が2作品選ばれます。実際にこの戯曲講座から生まれた作品が、劇場にいらして下さったお客様の元へ届くのをご期待下さい。
いよいよこの戯曲講座も残すところ、今回を除けばあと1回というところまできました。今まで謎の部分が多かった受講生のみなさんの戯曲も、そろそろその全容が見えてくる頃です。
冒頭で永山氏から受講生のみなさんの状況を察してか、「苦しい時期に来ていると思いますが、ここを乗り越えていきましょう!!!」という励ましの言葉がかけられました。以前から、作品を書く為の強いモチーフがあれば、仕上げるまでの辛い時期を乗り越えられると永山氏はおっしゃっていましたが、同じ状況を共有している講座の受講生それぞれの存在も励みになっているのでは…という雰囲気が講座内に出てきました。
↑回を重ねる毎に提出される課題も枚数が多くなりました。
まずは受講生たちがグループに分かれて互いの作品を読みあい、意見を出し合います。これまで2グループだったのが3人ずつの3グループになり、より深く意見交換ができたようです。1時間半程度これに時間を割きました。
↑互いの作品を読み合うことが次のステップに繋がっていくようです。
この後は永山氏から手短に各人へ質問や確認のコメントがありました。
・このテーマについての戯曲を今、書く必要があるのか？（その書きたいモチーフとは何か？）
・どこに重点を置いているのか？
・こだわっている登場人物は？
など、各人の作品に欠けている点を気付かせる指摘もしていきます。また、各人の作品の進み具合や今後の展開についても確認してアドバイスを送ります。
次に、ひとりひとり異なる課題が永山氏から出されました。
・既に出てきている登場人物に、もう１人新たな登場人物を加えたエピソードをスケッチする。
・登場人物のプロフィールを書く。
・今後のプロットを書く。
・登場人物の日記があるとしたら、ここ一週間の日記を書いてみる。
・登場人物のここ一週間の悩みについて箇条書きする。
・戯曲の構成案を3つ立てる。
など、それぞれの作品のこれからの展開のヒントとなるであろう課題が用意されました。約40分かけてA4用紙１枚を書き、仕上げた人から休憩に入りましたが、その書くスピードは人それぞれで、中には苦心している人もいたようです。
↑講座も６回目ともなると集中力も高まってます。
その後、今日の講座中に書いた課題を読みあい、それに対して永山氏からコメントとアドバイスがありました。各作品の結末に向けたステップとなるよう設定されただけあって、“こうあるべき”という指示ではなく、“こんなことも書けるのでは？”ということを感じさせるナビゲートのような雰囲気でした。コメントは各作品に向けたものではありましたが、他の人のものに向けたものであっても、それぞれメモを取りながら聞いている受講生の皆さんの様子には熱心さが感じられました。
次回までの課題はいよいよ作品の仕上げです。これまで謎だった部分は、謎のままで終わるのか？タイトルはまだ決定してない方もかなりいるのでそれも含めて、次回は楽しみな講座最終日となりそうです。
第5回目となる今回も、互いの課題を約１時間かけて読んだ後、2グループに分かれて意見を出し合うことから始まります。この段階にくると、受講生によってはまだまだ冒頭のシーンであったり、かなり終盤に近づいていたりと、書いてきた作品の長さがそれぞれ異なっているようです。
各グループの中では、「前に書いていたスケッチ、おもしろかったのにどうなった？」とか「今後どんな展開の予定？」といった質問から、「作品の長さにこだわらずに、まずはたくさん書いて、後に削ったほうがいいのでは？」とか「説明情報を提供しすぎでは？」といったアドバイスまで色々な会話が交わされています。これに対し、ある受講生からは「人の作品を読んでみると、自分の作品のキャラクター設定など顧みることができていい」、また「自分の作品への反応を見ることができていい」といったコメントが出ています。これらの意見交換のほかにも、作品へのコメントだけでなく、書く過程の話もそれぞれしていて、今後の展開のアイディアを得ている様子です。
一度休憩を挟み、このグループでの意見交換について永山さんから一言。「言われた意見を必ずしも聞くことはなく、聞き流すことも必要」ということでした。
その後、永山さんをインタビュアー（記者）として、各受講生を新人劇作家と見立てて各作品ＰＲの模擬記者会見を開きました。もし記者会見があったとしたらこんな感じ、といった風です。この模擬記者会見では取材を受ける作家は「分かりません」をＮＧワードとして記者の質問に、お客様が観に来てくれるように答えるものです。
実際の記者会見を踏まえて永山さんはこのような感じで話始めます。
「今日は新人劇作家の〇〇さんにお越し頂きました」とか「〇〇先生は、現在新作を執筆中ですがどの様な作品ですか？」といった感じで、取材を受ける新人劇作家役も少々照れ気味でした。
この模擬記者会見はつまり、自分の書きたいポイントが解っていないと相手に上手く伝えられないことから、自分が取材を受け、自分の言葉で説明することによってストーリーを整理し、確認するという効果があります。
この他にも永山記者から、
・「どのような設定ですか？」
・「登場人物を紹介してください」
・「〇〇先生は、どういう思いを作品の中で描きたいとお思いですか？」といった
取材が続きました。模擬記者会見について永山さんは、今、上手く答えられなくてもここを自分が掴めてないということが解ればそれでＯＫとおっしゃっています。
そして作品を創作する上で、不条理・理不尽な事はあるけれども、それを受け入れるしかなく、それが芸術であって、祈りであるということ、また、不条理であることを認め、それでも生きたいと思うことが祈りであって欲しいという風におっしゃっています。作品を書くモチーフ（動機）についても「Ａ＝Ｂ」であるというのではなく、「ＡはなぜＢなのか？」という切り口で進めて欲しいということもおっしゃっています。
具体的には「戦争は悪である」という書き方ではなく、同じ事を書きたいとしても視点は「戦争は何故起こるのか」という風にして欲しいということです。それは後者の切り口でなければ説教じみたスタイルになり、後者を切り口として選択することで、作品としての強度がより強くなり、結論の出ない理不尽さにどう向き合うのかという覚悟が必要になるとおっしゃっています。
その後は個々の作品についての永山さんからのコメント・質問・今後の展開へのアドバイスへと移り、各自、方向性を掴んだ様子でした。
前回では各自、作品の“冒頭シーン”を書いてくるという課題が出されましたが、書いてきたそれぞれの課題について、2グループに分かれて意見を出し合うことから第4回の講座が始まりました。“こういったところが面白い”とか“ここはどういうこと？”という話を受講生同士で互いの作品について話し合うわけです。
しばらくこのような時間をとった後に、この意見交換についての永山氏からのアドバイスがありました。今日もらった他の人からの意見は、それはそれとして受け止めること、自分の作品が他の人と違うと思ったらそれは“しめしめ”と思っておくこと･･･です。
また、作品を書き始めてから改めて分かることや、気をつけて欲しい事もあるということで、ここでこれまでの３回の講座の内容の復習がありました。まず、演劇による表現にはたくさんの方法があること、そしてそれらたくさんの中からこの講座では、永山氏自身のスタイルについてお話をしているということ、これらがこの講座の前提となっています。
そして、
・せりふは「話しことば」である。
・せりふは「詩」である。
・せりふは「情報」である。
ということをホワイトボードに書きながら説明され、戯曲は報告書や小説とは異なり、「話しことば」を“書く”という矛盾した作業をしていることなどを改めておっしゃいました。その中でも作品を書く際は、人と違う自分自身のスタイルで書きながらも多くの人を納得させるように書く必要があることや、観客に説明としての情報をただ与えるのではなく、観客自身が自分の中で画が作れるようにすること、視点を切り取るという作業によって、より観客は想像力を使って作品に参加できるようになるということなどについても詳しく復習しました。
また作品の素材として、
・場所
・時間
・登場人物
・登場人物の関係性
・プロット
・モチーフ
を挙げ、人と違う視点を持っていることを大切にしなければならないことや、それが他に理解されない覚悟も必要なこと、更にはそれが孤独なことについても説明されています。また、何でも分かりやすい現代的な切り口では観客が想像力を働かせる場がなくてつまらないことや一度作ったものでも、いつでも捨てる勇気が必要であること、そして自分にしか書けない、今かたちにしたいという強いモチーフが、これから来るであろう冒頭シーンを書き終えた後にくる辛さを乗り越えられる糧になるということについてもお話されました。
また、古典主義的なものの見方にこだわって、既に4分の3くらい出来事が終わってしまったところから話が始まるスタイルについても復習され、これからのアドバイスとして、早く次のシーンに行きたいと思っても、観客の想像力を信じてある一つの場面に凝縮するということをして欲しいとおっしゃっています。
その後、各自の課題へのコメントが永山氏からあり、「設定を説明することに終始しているのでは？」とか「この場面はどういうこと？」といったやり取りが交わされました。これによって各受講生達は今後の作品への手がかりを得たようでした。
早くも3回目を迎えた今回の講座は、前回に出された宿題の発表から始まります。まず、各受講生が書いてきたスケッチをそのまま、本人以外の受講生たちがその場で役を割り当てられて読みます。
その後は前回予告された通り、永山氏が立ち位置など演出をなさって、再びスケッチが読まれます。各受講生のスケッチがどんどん続けて形となるわけですが、今回は読んだ後に書いた本人にいくつか確認をしたり、ということもありました。永山氏の演出は立ち位置だけでなく、「もっと落ち着いた感じで」とか「遠くを見て」などにも及びます。
全員のスケッチが読まれた後は、再度黙読の時間が割かれ、面白かった点についてなどそれぞれの作品について感想を出し合い、また“ここはこういう意味？”といった感じで質問も出ました。
そしてスケッチ（紙に書かれたもの）が実際に人によって喋られ、形になったということについて、書いた本人の感想も聞かれました。受講生の中には、実際に自分のスケッチが喋られるのを聞いてみると、台詞が説明的な所があったと感じた方もいたようでした。
受講生達の感想に対して永山氏もアドバイスや、考え方をお話してくださるのですが、例えば“言葉も出ないわっ”なんて普通は言わないような言葉をあえて言わせることも手段として有り得るということなどもおっしゃっています。
またスケッチに関する質問に対して、作者がその設定をまだ決めてはいないと答える場面も多々あったのですが、“とある〇〇”といった感じで詳細に関してはとりあえず保留・架空にすることもできるが、作家としてはある程度範囲を決めておかないと周りに見えてくるものが異なってくるのでという理由で、この時点ででも設定は必要とのアドバイスもされていました。
このように各スケッチについて受講生と永山氏の意見などが話しあわれるので、自分のスケッチに対しての意見を聞くだけでなく、他者のスケッチについてのアドバイスまでも各自のものとすることができる点でとても面白い場となったようです。
宿題のスケッチの発表等が終わった後は、もう一つの宿題「夕鶴」について話が移ります。前回、木下順二作「夕鶴」を読んでくる課題が出されましたが、ここでは「鶴の恩返し」と「夕鶴」を比較することによってドラマの構造について学びます。
実際この両者では登場人物や始まり方も異なります。「夕鶴」は「鶴の恩返し」の終盤から始まり、一日と一晩という短い時間を切り取っています。このように時間の推移が短く・場所も一定であり、話の筋も１つであるという書き方を古典主義的手法と呼び、それとは逆に長い時間の推移があり、場所も変化し、話の筋も多様に書くという手法を非古典主義的手法と呼ぶ、という説明がありました。
また、この戯曲講座では古典主義的手法で創作して欲しいということも永山氏はおっしゃっています。具体的には、創作するときは非古典主義的であっても、今回は古典主義的手法のものの（＝話の）切り取り方で描いて欲しい、完全に古典主義的にする必要はないけれども、多くてもシーンは3つ、場所は一定で、色々なところに飛ばないで描いてみて欲しいということをおしゃっています。
更にこの古典主義的手法についての説明ですが、古典主義的手法は登場人物たちの人生のある時間を切り取るということであり、登場人物たちのそれぞれ生きてきた人生を感じ取ることができれば劇的緊張感が生まれるので、切り取った時間以外の部分もきちんと想像して描く必要があるともおっしゃっています。
このように、古典主義的手法では人生の中からある時間を切り取って描く訳ですから、それ以外の過去に何があったのかということに関しては、謎にして観客の興味を仕向けるということもあり得る方法で、また「夕鶴」のように会話で過去を描くということも可能であると説明をなさってます。では過去と反対に未来はどう描くのかという事ですが、問題を投げかけるという事、過去に起こったであろう謎と未来の問題を１つのシーンに凝縮していくということをおっしゃっています。
次回までの課題は“冒頭のシーン”を書いてくるということで、1時間もので、多くて3つのシーン（1場面でもＯＫ）ということです。また、優秀作品2本は12月にリーディング公演という形になるということも発表されました。
第二回目の今回は初回欠席のお二人も出席のもと、前回の復習からスタートしました。
・せりふは「話しことば」である。
この「話しことば」を構成しているのは［ことば：7％、音：38％、表情や身振り手振り：55％］である。
・せりふは「詩」である。
作家の視点で話しことばを使って再構成していく。
・人間のいる風景をト書きによってスケッチしていく。
この三つのポイントに加えて補足がありました。この補足は平田オリザ氏の著書からの引用とのことでした。「話しことば」には特徴があり、それは�＾貪抔世Δ伴茲蠑辰擦覆き�語順がある、ということです。この語順に関しては、「え〜、あ〜」などのことばが入ることがあったり、言いたいことが前に来るということが例に挙げられています。
例えば文章では「僕は昨日動物園へ行ったよ」という文があるとすれば、それが会話では「昨日行ったよ、動物園に」という言い方や「行ったよ、動物園」という風に言いたいことによって語順を変えて表現できる訳です。ここで作家として必要なことは、他の人とは違う視点を持ちながらも、それを多くの人に納得させることであると永山氏は説明なさっています。
この相反するようにみえる二つのことを両立させる為の例として、宮沢賢治の『どんぐりと山猫』のお話しをなさいました。簡単に言うと、一番ダメなヤツを一番えらいヤツだとしよう、ということが話し合いの中で出てくるという部分なのですが、この感じを元に、「〜なのが一番えらい」「〜であることが一番幸せです」という文の「〜」にあたる所を受講生みんなで考えていきます。
例えば「お金が無いのが幸せである」とするならば、その理由は？受講生はそれぞれのアイディアを発言します。「詐欺に会わなくて済むから」「税金の心配をしなくて済むから」「お金の為に働くということだけに集中できるから」という風に様々な理由が受講生から挙げられる訳ですが、この理由の部分に先ほどの“人とは違う視点で、且つ、多くの人を納得させる”ことが要求されます。
↑前回欠席されても復習で理解しやすく。
以上までが前回の復習と補足で、この後は前回課された宿題の発表が行われました。宿題は�”�景をイメージし、�△修譴鬟判颪�で表現するというものです。それぞれの書いてきた宿題は予めプリントアウトされており、書いてきた本人を含むペアで発表されます。それに対し、各人の受けた印象や、そこには書かれてはいない詳しい設定について意見を出したり、“この部分がいい”“ここはこういう意味かな”という話をしていきます。その際、書いてきた本人に、本当にその文はそういう意味で書いてきたのかという確認などはされません。というのも、“誤読”をするのがおもしろいからです。この“誤読”というのは、間違って読むということではなく、“こうとも受け取れる”という風に読む意味での“誤読”です。
この“誤読”がおもしろい、というのは、正しいか正しくないかではなく、おもしろいかおもしろくないかということに力があるからだと永山氏はおっしゃっています。また、“誤読”ができる余地があるのは、どうして〜になっているのかというなぞがあるわけで、その続きが気になるということが観客を惹きつけるという、なぞの持つ魅力についても触れています。
全ての受講生の文章を読み終えてから、一度休憩をはさみます。前回欠席なさったお二人もきっちり宿題を提出しておられたのはさすがでした。
休憩後は、“せりふは情報である”ということからスタートします。
・せりふを通じて観客は登場人物の背景、職業や家族、性格、思想を知っていく。
・場面の雰囲気＝音としてのせりふから観客は情報を得る。
・せりふから観客は関係の変化を感じとる。
このことから、これらの情報をどのようにして作家は観客に渡すのかということが大切になります。
ここで１人の受講生がある料理をイメージして、その他の受講生がそのイメージされた料理が何であるかを、質問をすることによって当てるというゲームを行いました。
A：ある料理をイメージする。
B：「それを食べるのにスプーンを使う？」
A：「いいえ」
C：「それには肉は入っている？」
A：「いいえ」
D：「それは甘い？」
A：「甘い場合もあるし、甘くないこともある」
このような会話によって、ある人がイメージした物を当てるゲームでした。ちなみにこの答えは卵焼きでした。人の頭の中にあるものを、会話をしていく中で、相手の人自身が情報を獲得して理解するということを実践するものでした。これは、人の頭の中にあるものを直接「〜は○○です」という様に一言で表したり、情況を説明されて受動的に情報を受け取るのではなく、観客自身が想像することで演劇に参加し、人の頭の中にあるものを能動的に獲得してもらう、ということの必要性を理解する為のプロセスでした。さらに、どう観客に参加してもらうかを考えることが、情報を与える方法であるともおっしゃっています。
ここでテキストとして用意された永山氏の文章�イ悄Ａ芦鵑皹併鎧瓩呂�っしゃっていましたが、この講座では永山氏の書き方を教えるのであって、それが全てに通ずるとは限らないと前置きがありました。
まずスケッチを書く。これはフランス語でいうところのコント。小品・短い作品。このイメージは画家がラフ画を書いてキャンバスの中での位置を決める様なもので、ここから作品へと繋がります。
このテキストでは登場人物が消防士であるとは直接述べられてはいませんが、文章を読んだ人は登場人物の一人が消防士であり、その父親が亡くなったことが分かるようになっています。
ここでは早く状況の説明をしたい気持ちがあっても、観客が演劇に参加し情報を獲得して行く道筋を、それが遠回りであったとしても与えることの必要性が説明されています。というのも、ただ演劇の中で状況を説明したのでは、観客はただ演劇を観たというだけであり、体験として感動を持って帰ることはできないからです。つまり人は自分がただ観たことは心に残らずに忘れてしまうが、観客として半分でも演劇の中で起こっていることを体験することによって、観客の心の中に残すことが重要で、それによって感動を持って帰ることができるということです。具体的には、状況を言葉で説明するのではなく、会話によって感じさせ、観客が推測し、推し量ることによって半分くらいはその芝居に参加し、体験させることが必要であるとおっしゃっています。
この実践として“新婚”と“中学校の先生”ということをこの二つの言葉を使わずにAとBの二人による会話を通じて観客に感じ取ってもらえるように会話を作る課題が出されました。10分ほど書く時間が設けられた後に、受講生同士がペアになって発表します。この間、受講生の皆さんは、何度か書き直しながらもさらさらとペンを走らせており、中には早く書き終わって周りを見回す余裕のある方もいらっしゃいました。
次は実際の永山氏の書いた作品のスケッチ（テキスト�Α砲悄�このスケッチの内容は、自給自足の村に、車が故障したことで立ち寄った記者（父の死に際し、急いで帰る途中）という状況で、これらだけが決まっていてその背景は大まかにしか決まっていない段階のスケッチでした。このスケッチを“誤読”することなどによって作品として話が膨らんで行きます。
とりあえず書いてみることからスタートして、後からいらない部分は捨てていく、というスタイルが永山氏のスタイルであって、それとは対照的に細かく設定してから書き始めるというスタイルもあるとの説明もありました。たくさんスケッチ（小品）を書いてそれを繋げたりして進んでいくことには、よい点と悪い点の両方があるが、縛られずに自由に書けるという点で、予め細かく設定をしないこの書き方の利点に触れています。
ではこのスケッチを書く為の手がかり（材料）についてですが、ここで再び平田オリザ氏の演劇理論を引用し、説明がなされました。
↑板書は書いてもすぐ消されます。
・場所について
場所には�．僖屮螢奪��▲札潺僖屮螢奪���プライベートという三つの分類があり、�△離札潺僖屮螢奪�な場所で一番会話が成立しやすい。また��のプライベートな場所は家族でいる茶の間のような所であって、会話は成立しにくい。しかしながらプライベートな空間も他人が入ることによってセミパブリックにもなり得る。この�△鉢�の違いはそれぞれの人が違う情報を持っているということで、ほぼ同じような情報を共有しているであろう家族では会話が成り立ちづらく、別々の情報を持つもの同士が一緒になると会話が起こるという訳です。というわけで場所をどこに設定するかでそのドラマが上手く転がっていくかが左右されると言えます。
・時間について
時間には�仝渋絖�過去�Ｌね茲箸い�三つの分類があり、更に春夏秋冬という分類もある。これもいつに設定するかによってそのドラマを大きく変える材料となります。
・人物について
人物は作者自身の人格・人生が最も表われ易いところであり、頭の中に生まれるイメージを引用して書く。これは今までに作者の経験の中にある人物の引用であったり、実際には存在しなくても小説や映画の中の人物でもよく、このイメージの投影により登場人物が動き出すことになります。
ここで大切なのはその人物の名前。何となく○○と付けてあったとしても、それは無意識で付けていて、名前を付けるとこの人物が動き出す・しゃべりだすということもあると説明されています。
小説ではこの人物の分類が�．侫薀奪肇�ャラクター（平面的）と�▲薀Ε鵐疋�ャラクター（立体的）の二つがあり、例えば『坊ちゃん』のように１つのキャラクターで語られ、喜劇的作品の中で“この人が動くと必ず〜する”という設定のキャラクターがあるが、人間は多面性を持っているのでラウンドキャラクターを書く必要がある。それは自分自身でも分からないある種の狂気を内包している人間であるともおっしゃられています。
・関係について
しばしば、名前を付けることによって、途端にラウンドキャラクターからフラットキャラクターになり、広がりを持たなくなってしまう可能性があり、何となく全体像を見ることがこの場合は必要であるとのことです。
・プロットについて
プロットは「人物の出はけ」。例えば、
��ABがいる
��ABCが入っている
��ACがいる
��Cだけがいるといった形で、時間が進むに従ってここにいる人を述べていく。これを物語の展開として使っていく人もいるとのこと。
・会話について
会話は「話しことば」であり、語順が決まらないと書けない訳ではなく、始めは、はしょっていてもとりあえず書き始めることができます。また会話はスケッチを書き出す前に決まっている必要はなく、このあたりを元にひたすらスケッチを書き、イメージを固めていけばOK。
次は実際にスケッチを書くことへテーマが移ります。スケッチを書く際には、
・モチーフ（書きたいという動機づけ）が必要
ストーリーの四分の三くらいまで進んだ時にぶち当たるであろう、“どうやって話しを終わらせようか…”という壁も、この書きたいものがあるという動機づけによってクリアでき、このモチーフは作者自身のこれまで生きてきた事が反映される場所であり、自身の考えや気持ちを作品として表現してみたいということがモチーフとなります。
またこのモチーフというものは、楽しさよりも怒りや苦しみといった、結論づけられないもの、頭では分かっていても整理のつかないものであり、A=Bという結論をモチーフにすると説教くさくなると説明されています。ではどのようなことをモチーフとするのかというと、“なぜ〇〇は〜なのか”という疑問をモチーフにすることを提案されています。例えば、なぜ人は殺しあうのか？といった答えのはっきりしていないこと・疑問の方がモチーフとして強度が高いとおっしゃっています。
そしてこのモチーフの強さの必要性は2000年ほど前に書かれたであろう「オディプス王」の戯曲で証明されており、モチーフに強度があり、普遍性があるからこそ数千年もの間生き残っているのだとおっしゃっています。つまりこれから受講生のみなさんによって書かれる物語もその人にしか書けないモチーフで、且つ、強度があれば「オディプス王」と同じく、今後数千年も生き残る可能性があるわけです。何でもよいから思いの詰ったモチーフを発見して欲しいということでした。
ここで今回の講座の課題が出されました。テキストを目安に長さは自由で、まず戯曲を書く運動神経（運動神経と表現するのが適当かどうかはわかり兼ねますが、要するに感覚）を鍛える為に、こういう空気を書いてみたいというスケッチを書くことです。10本程度書いた中から3本を提出します。今後完成させる戯曲作品の中のどの部分にあたるかは決めなくてもOK、また設定も飽きたら変えてもよいそうです。しかしながら10本書いたうちの10本全部が違う設定ではなくて、最終的に１つの作品になる為の作業であるので、提出する3本は何となく同じ場所であるようにということです。またこれには2人以上の登場人物がいることが条件で、１つのスケッチの中で設定を例えば“海から山に行きました”という感じに移動させるのではなく、海でこの人達が会話をしたらどうかな？というスケッチを書いてみるということです。また、縦書きで提出する指示がありました。
最後に前回の宿題に対する補足です。肉感、音感といった、言葉を聞いた時に体が動くような感覚が欲しい、とのことでした。きれい過ぎると肉感がなく、例えば方言なら体が何となくムズムズするような感じになるように。せりふは話しことばではありますが、ちょっと文語体にしてみるとか、読み返したときにひっかかるところが欲しいと指摘なさっています。
以上のお話を踏まえて、今回の宿題は次回講座の時に、受講生のみなさんが書いてこられたスケッチをそれぞれが役者さんとしてしゃべってもらう予定です。またその際、永山氏が軽く演出をつける予定です。
またその後、新たに、木下順二作「夕鶴」を読んでくる宿題が出されました。
今年度の戯曲講座の講師は「こふく劇場」の永山智行氏です。選考により合格した受講生10名のうち、この日は男性4名・女性4名の計8名が北九州芸術劇場のセミナールームに集まりました。まず講師自身から挨拶があり、この講座を通じて戯曲を１本書き上げることを目標に進めていきましょうということでした。また、この講座ではご自分のスタイルを皆さんにお伝えしていくので、それが受講生の皆さんのスタイルにあうかどうかは別として、自分だったらどうするかということを考えて書いて欲しいともおっしゃっています。
その後、受講生からの自己紹介もそこそこに、稽古場へ移動。動きやすい服装に着替えた受講生のみなさんに永山氏から色々な指示が出ます。その指示のもとに全員で手を繋いでアルファベットのAを人文字でつくったり、名前のあいうえお順に一列に並んだり。
←誰がどこのポジションにいく？
この際、受講生たちはお互いの名前を確認しあったりするので緊張感をほぐすウォーミングアップのような雰囲気となります。その後も次々に永山氏から指示が出て、それに応えていくうちにそれぞれの受講生達のキャラクターが見えてきます。
←なかなか人の鼻をつまむ事もないので。
このように受講生はお互いに言葉の力をほとんど借りないコミュニケーションをにとっていくわけですが、ここから講座の本題に近づいていきます。
“ことば”には“話しことば”と“書きことば”があって、そのうち戯曲を書くという事はその“話しことば”を書くという矛盾した作業をしている事になります、と今度は受講生たちを一箇所に集めて永山氏からの講義が始まります。“話しことば”を構成しているのは�，海箸亅�音��身振り手振り、の三つの要素であり、この“話しことば”自体も声の大小や高低、そして間（ま）によって異なる風に伝わっていく･･･と受講生達の反応を確かめつつ、ホワイトボードを使っての講義が続きます。
“話しことば”におけるこの三つの要素の構成比について、永山氏は受講生の予想とは異なる数字を説明しています。これはある学説によるものなのですが、１つ目の“ことば”はわずか7％、次に“音”は38％、最後の“身振り手振り”は55％というように、“話しことば”が人に伝わるには“身振り手振りに”よる率が高い反面、劇作家の仕事である“ことば”によるのは数字的には低い事を説明しています。このことは実際に何気なく体験している事を数値（％）として表しているだけであって、単に“〇〇した”ということばを書いたら人に伝わるのではなく、その声の大きさや間（ま）を伴って状況が伝わるという風におっしゃっています。
そしてこの一連のエクササイズたちは、ことばだけで言うと嘘っぽくなるけれども、ことばなしの動作だけでも伝わることもあったり、変にことばをつける必要がないこともある、そこがただの作家とは異なる劇作家として必要な点であるということを受講生たちに体感させるプロセスであったことが分かりました。そして、このような人間の身体性を意識しながら書くと、ことばだけではない作品が書けるということをおっしゃって稽古場での講義が締めくくられました。
休憩をはさんで、場所は再びセミナールームへ戻ります。また改めて自己紹介をするのですが、今度は他の受講生の自己紹介に別の受講生が創作でその人の自己紹介を付け加えるといったことや、永山氏をモデルにして各自が自己紹介を創作していくといったスタイルなどもとられました。
←それぞれの発言が楽しみな雰囲気。
いくつかの与えられた課題をクリアしていく中で、永山氏は受講生たちに書く為のヒントを与えるような感じで話を進めていきます。せりふは話しことばであり、そのせりふは詩であること。きれいでないことばの間にその人の人間性があること。現実の材料である話しことばを再構成していくことが詩であり、せりふであること。描きたいのはことばにならないものであって、そのことばにならないものをことばにするのだということ。またこの中で、描きたいものの説明をことばで言ってしまうという、陥りやすい危険性についても触れられています。表現についても、みんなが知っているものであっても心の中がザワザワと動く、違う感動を起こさせるものが必要であること。何が正解か、間違いか、なのではなくてどれが楽しいかが重要であり、それは役に立たない（←ヤクニタタナイ戯曲講座）けれども心を動かすものであること。これらを表現する者になることは、周りのベクトルとは違う方向に向かう辛さが伴うこと。これらの話を交えつつ、永山氏から出される課題はステップアップしていきます。
次はホワイトボードに貼られた２枚の写真を見て、各自がビビっときたほうの写真について、この人たちがどういう人であるかを創作して設定するという課題が出されました。人に合わせるのではなく自分の直感を信じて、自分にしか書けないものを書いて欲しいということでした。また、自分にしか書けないものを書くということは、ひいては“自分って何だ？”更には“思いって何だ？”ということに繋がっていくともおっしゃっています。ここで各自の“怒り”や“悲しみ”についての経験を順に述べていくのですが、ことばにならない感情のリアリティが本になる材料であり、自分の中にある経験を表現することが、自分にしか書けないものに辿り着く方法であるということもおっしゃっています。
またいくつかの課題をクリアした後は、予め用意されたせりふを各自創作して書き換えるという課題にトライです。この書き換えられたせりふは受講生がペアを組んで発表します。例えば、
A：わかりました。
B：じゃ、よろしく。
A ：はい。
というせりふが用意されていたものを、ある受講生は、
A：わかりました。
B：じゃ、よろしく。
A：だが断る!!! といった感じに。
文字にしてみると各受講生の皆さんの書いて下さったものの面白さが伝わりにくいかもしれませんが、セミナールーム内も自由な雰囲気で、お互いの書いたものの面白さを楽しんでいる様子でした。
また次のテキストにはチェーホフの作品のト書きがいくつか挙げられており、書き手の視点としてト書きを読むことになりました。ト書きによって、人がいる風景がことばでスケッチされており、ここではチェーホフの視点がどこにあるかということや、書き手が登場人物の中に入ってその気持ちをせりふによって全て代弁してしまうのではなく、客観性を持って書く事の必要性が述べられました。更に視点を一点に据える時に、その登場人物たちの会話が聞こえてきて、それを書き留めるような感覚で書くということもアドバイスされました。
これらのト書きの講義を踏まえて、先程の「用意された写真から設定やせりふを創作する課題」から、「写真を見てそのト書きを創作する課題」へとステップアップします。受講生の皆さんの、考えながらもさらさらとペンを走らせている様子にはさすがだなと感じさせられます。
次回の講座は3週間後ということで、それまでの課題が与えられました。ト書きで風景をことばでスケッチし、その設定のもとにせりふを創作するというものです。この課題の条件は�｜砲判�が登場し、その二人だけがいる風景のト書き（この男女はどんな関係でもOK）�△擦蠅佞�4行、ということです。またこの際に、まずせりふを書いてから、その人物設定を行う方が、それらのせりふが詩になるとアドバイスされています。10本のト書き＆せりふを書いて、そのうち厳選した3本を次回講座の前日までに提出することになり、この日の講座は終了です。
このレポートの最後に永山氏がおっしゃった、“戯曲の魔法”という素敵なフレーズについても触れておきます。この“戯曲の魔法”とは、他のどこにもない自分の中にだけある一枚の絵が戯曲となり、やがてスタッフの手に渡り、そして役者の手に渡り、さらにはたくさんのお客さんたちのもとに渡る･･･つまり戯曲を書くという一粒の種を蒔くと、それがたくさんの人のもとに魔法のように広がっていく･･･ということを表しています。今回の講座は、そういう素敵な種を蒔くことのできるスタート地点だったのです。遠い昔、先人たちが星に導かれて大海原を渡ったように、この受講生の皆さんが永山氏やこの講座を通じて知り合った方々などいろいろなものに導かれて一つの作品を創りあげることができることを楽しみにしています。また今回欠席された受講生の方々に次回お会いできることも楽しみにしています。
今年の戯曲講座は、宮崎を活動の拠点にする実力派劇作家、永山智行氏を講師に迎え、少数精鋭で次代の劇作家を鍛えます。
描きたいものはあるのに形にならない。書きたい予感はあるのにどうやって書き始めていいのか分からない。そんな貴方に是非受けていただきたい講座です！
◎日程：6月9日（土）〜9月22日（土）約4ヶ月間 全7回
◎会場：北九州芸術劇場・創造工房（リバーウォーク北九州6階）
◎受講料：15,000円
＊全7回分・1回目の講座でお支払いいただきます。
◎応募資格：高校生以上で、演劇の脚本を書いた事がある人、今まさに書こうとしている人
◎応募方法：
専用の応募用紙に必要事項を書き込み、写真貼付の上、課題と共に下記事務局まで郵送ください（持参も可）。なお、定員を超えて申し込みのあった場合、書類審査となりますので、課題は必ず提出し、応募用紙は出来るだけ詳しくお書きください。
◎募集人員：10名
◎応募締切：5月21日（月）必着
◎スケジュール：
第1回〔6月 9日（土）14：00〜18：00〕
第2回〔6月30日（土）14：00〜18：00〕
第3回〔7月28日（土）14：00〜18：00〕
第4回〔8月 4日（土）14：00〜18：00〕
第5回〔8月18日（土）14：00〜18：00〕
第6回〔9月 1日（土）14：00〜18：00〕
第7回〔9月22日（土）14：00〜18：00〕
◎課題：
以下の二つの課題を提出してください。
（1）「かまぼこ」という言葉の由来を、考えてください。デタラメで結構です。ぜひもっともらしく書いてみてください。
（2）男と女が一緒に寝ている情景や感情を詩にしてみてください。男の視点でも女の視点でも、ベッドの視点でも結構。
長さ・書式はともに自由。
ヤクニタタナイ戯曲講座
（永山智行）
1時間程度の台本を必ず参加者には書き上げてもらいます。その中で優秀な2作品は2007年秋に演出家の手を経て「リーディング公演」というかたちで上演する予定です。
永山智行（ながやま ともゆき）
1967年、宮崎県都城市生まれ。劇作家・演出家。劇団こふく劇場代表。AAF戯曲賞（主催：財団法人愛知県文化振興事業団）受賞作『so bad year』のほか、劇作家協会新人戯曲賞最終候補作『空の月、胸の石』『北へ帰る』などの作品がある。
2005年、書き下ろしの新作『昏睡』（創作ネットワーク委員会+Ort-d.d公演）で東京国際芸術祭参加。宮崎県演劇協会会長。宮崎県立芸術劇場演劇ディレクター